Creasenda, inquietudes compartidas
Artes Escénicas - 2 🎭
"La escencia de un gran actor es que se ama a sí mismo al actuar"
Charles Chaplin
7 curiosidades sobre el mundo del teatro
Esta vez hacemos un artículo diferente y algo más llevadero. Te compartimos estas 7 curiosidades sobre el mundo del teatro que te pueden gustar. La idea está en que, si te atrajo alguna, indagues más e investigues de qué se trata a fondo. Sin más, veamos...
1) Las dos máscaras.
Seguramente hayas visto estas dos máscaras juntas en algún lado y las asociaste con el teatro. Estas simbolizan a Talía (la musa y protectora de la comedia) y a Melpómene (la musa de la tragedia), ambas musas griegas. Además, en la antigüedad eran componentes fundamentales ya que no se podía salir a la escena sin una. También se aprovechaba la gran apertura que tienen en la parte de la boca para así amplificar la voz de los actores, algo así como un altavoz.
2) La época donde actuaban sólo hombres.
Para la época del renacimiento, sólo los hombres podían actuar en las obras de teatro. En el caso de que se necesitara interpretar a un personaje femenino, se elegían a los actores más jóvenes para hacerlo.
3) "Rómpete una pierna"
Aunque la frase parece negativa, la historia de la misma nos dice todo lo contrario. Se suele usar para desearle suerte a los intérpretes y su significado proviene del teatro británico en donde, al terminar una función, el público tiraba monedas de oro al escenario como señal de agrado o aceptación. En este aspecto, los actores debían arrodillarse para recoger esas monedas. Entonces, lo que se le desea a alguien con esa frase (con tal trasfondo), es meramente positivo.
4) El telón.
No siempre se usó el telón en los teatros, esto es un rasgo más característico del teatro moderno. De hecho, en las épocas del teatro griego, del medioevo (y sus juglares) e incluso del Renacimiento no existía. El telón fue una innovación dentro del siglo XVII y permitió que el público no se distrajera con los cambios de escena o cuando maquillaban a los actores.
5) Los fantasmas.
Existe la superstición de que se encuentran fantasmas en los teatros, esto debido a que dueños, actores y espectadores afirman que han visto o sentido la presencia de alguno. Debido a esto, puede darse un día libre sin obras (que suele ser los lunes) para que los fantasmas puedan disfrutar de sus propias funciones. También, se dice que se les deja la luz prendida dentro de las instalaciones ¿Se seguirá haciendo? es la pregunta.
6) Rosas o claveles.
En el siglo XIX, cuando el director de una obra quería que una actriz principal se quedara por una temporada más, este le enviaba rosas. En caso contrario, le hacía llegar claveles. Una forma elegante de comunicar una decisión teatral.
7) La obra de teatro más grande del mundo.
Suena a como si sehubiera utilizado un escenario enorme para realizarla, pero no. Se trata de "Les Miserables", una obra catalogada como la más grande del mundo por haber sido traducida e interpretada en 21 idiomas. Además, su producción cuenta con, aproximadamente, 101 actores en escena, 392 disfraces, 1.782 prendas de ropa y 31 pelucas ¿Te imaginas eso? lo grande está en toda la composición de la obra.
¿Qué te parecieron estas curiosidades? Seguramente existen muchas más. Si se te ocurre alguna otra, no dudes en dejarla abajo en los comentarios ¡Te leemos!
Juego de Mani: danza y guerra, recuerdos del hogar.
El a veces llamado “juego de maní" y otras, “danza de guerra” o “bambosá”, es una combinación de artes marciales y baile que se desarrolló en Cuba por los esclavos africanos.
Los participantes (“maniseros”) se disponían formando un círculo alrededor del combatiente que debía sorprender a algún integrante del redondel, golpeándolo y sacándolo del límite, que cada vez se estrechaba más. Si el púgil (luchador) fracasaba en su intento, pasaba al puesto de aquel a quien intentó derribar y este a su vez iba al centro. Era importante el uso de los tambores para marcar el ritmo y los cantos improvisados de los miembros de la escena, así como los coros que repetían la parte final de los cantos.
El sistema de combate abarcaba técnicas tales como patadas bajas, barridos de pie, puñetazos, cabezazos, golpes con codo y acrobacias simples. Cada pelea terminaba en un barrido o una maniobra de agarre.
El sistema de combate abarcaba técnicas tales como patadas bajas, barridos de pie, puñetazos, cabezazos, golpes con codo y acrobacias simples. Cada pelea terminaba en un barrido o una maniobra de agarre.
En los inicios de la Cuba Colonial, el mani implicó que un solo participante bailara en un círculo de oponentes, los cuales trataban de darle golpes al personaje mientras este efectuaba saltos y pasos evasivos. Fue muy practicado, la mayoría de las veces de manera clandestina, en el centro y occidente del país.
Según el etnólogo (quien estudia culturas y etnias) Fernando Ortiz: "el juego consiste fundamentalmente en una pelea, durante la cual un jugador que está bailando trata de abatir con golpe a puño cerrado a uno de los varios participantes que están a la defensiva, formando un coro a su alrededor."
El bambosá se jugaba siempre de día sobre lo que llamaban "tierra muerta", muchas veces de manera clandestina y, además, con diferentes formas de jugarlo:
-Mani Limpio: pelea sin ningún tipo de indumentaria a pecho descubierto;
-Mani con Grasa: los participantes se untaban el torso, los brazos y los brazos con manteca de corojo, una especie de palmera cuyo fruto da como resultado aceite después de prensar los racimos;
-Maní con Muñequeras: en la práctica, se cubrían los brazos con brazaletes de cuero de buey reforzados con tachuelas, púas de acero o piedras, además de todo tipo de hechizos para vencer al oponente (se dejó de hacer por la cantidad de heridos).
En la práctica también se pueden usar armas tales como una vara, cuchillos y machetes. El palo utilizado tiene el grosor de una caña de azúcar, ya sea que esté hecho de este material o no, y por lo general de aproximadamente 40 cm de largo.
La danza de guerra mantiene una estrecha relación con la capoeira brasileña en sus raíces africanas, ya que ambos derivan de la cultura congo - angoleña. Al igual que otros bailes y artes marciales que surgieron a partir del siglo 16 entre los esclavos africanos que eran transportados a las colonias europeas en América, el juego de mani se desarrolló inicialmente como medio para que los estos disfrazaran sus rituales de lucha como una forma de danza durante su escaso descanso después del trabajo en las plantaciones de caña azucarera, durante el siglo 19. Originalmente, las cubanas también practicaban esta danza, y aunque se prohibió en la década de 1930, ellas siguieron participando.
-Mani Limpio: pelea sin ningún tipo de indumentaria a pecho descubierto;
-Mani con Grasa: los participantes se untaban el torso, los brazos y los brazos con manteca de corojo, una especie de palmera cuyo fruto da como resultado aceite después de prensar los racimos;
-Maní con Muñequeras: en la práctica, se cubrían los brazos con brazaletes de cuero de buey reforzados con tachuelas, púas de acero o piedras, además de todo tipo de hechizos para vencer al oponente (se dejó de hacer por la cantidad de heridos).
En la práctica también se pueden usar armas tales como una vara, cuchillos y machetes. El palo utilizado tiene el grosor de una caña de azúcar, ya sea que esté hecho de este material o no, y por lo general de aproximadamente 40 cm de largo.
La danza de guerra mantiene una estrecha relación con la capoeira brasileña en sus raíces africanas, ya que ambos derivan de la cultura congo - angoleña. Al igual que otros bailes y artes marciales que surgieron a partir del siglo 16 entre los esclavos africanos que eran transportados a las colonias europeas en América, el juego de mani se desarrolló inicialmente como medio para que los estos disfrazaran sus rituales de lucha como una forma de danza durante su escaso descanso después del trabajo en las plantaciones de caña azucarera, durante el siglo 19. Originalmente, las cubanas también practicaban esta danza, y aunque se prohibió en la década de 1930, ellas siguieron participando.
Un gran maestro del arte que aún enseña en Cuba es Juan de Dios Ramos Morejón, el fundador y director de la compañía de danza folclórica cubana “Raíces Profundas”. Además, fue embajador de la música afrocubana y las artes marciales, después de haber viajado a enseñar en Japón, EE. UU, Alemania y Méjico. Aunque todavía existen maestros en Cuba, no muchos entienden realmente los aspectos fundamentales de este arte folklórico.
Hoy en día, quienes practican el juego de mani, lo hacen principalmente como un pasatiempo artístico que conecta a los orígenes, ya que abarca el aspecto musical, canto, combate, la coordinación y el compartir una historia en común.
Link del tema
Hoy en día, quienes practican el juego de mani, lo hacen principalmente como un pasatiempo artístico que conecta a los orígenes, ya que abarca el aspecto musical, canto, combate, la coordinación y el compartir una historia en común.
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<<Semana 5>>
Rakugo: reír de rodillas
Es un tipo de entretenimiento japonés que consiste en contar una serie de anécdotas cotidianas y monólogos humorísticos, cuyo origen se remonta a inicios del siglo 17. El intérprete narra usando un kimono (atuendo tradicional japonés) con la intención de estimular la imaginación de la audiencia sin faltar a la tradición.
Es un tipo de entretenimiento japonés que consiste en contar una serie de anécdotas cotidianas y monólogos humorísticos, cuyo origen se remonta a inicios del siglo 17. El intérprete narra usando un kimono (atuendo tradicional japonés) con la intención de estimular la imaginación de la audiencia sin faltar a la tradición.
Es un tipo de espectáculo que se desarrolló durante el período Edo, el cual comprende desde el inicio del “shogunato” o gobierno militar de Tokugawa Ieyasu en 1603 hasta la restauración del gobierno imperial con el último shogun, Tokugawa Yoshinobu, en 1868.
El rakugo, que significa “palabras caídas”, se hace en una sala de espectáculos llamada “yose”, donde un rakugoka (quien narra) se arrodilla sobre un cojín rectangular (zabuton), dispuesto sobre el estrado (kōza), para contar su relato tras inclinarse ante la audiencia.
La historia se narra como una conversación. El intérprete cambia de un personaje a otro alternando su voz, expresión facial, gestos y acento para adaptarse a la persona que está hablando. Se utiliza un ligero giro de cabeza y un cambio de tono para indicar que se asume otro rol.
El programa que narran los rakugokas se denomina “neta”. Algunas de las historias, al ser tradicionales, se basan en situaciones cómicas o dramáticas que protagonizaron ciudadanos típicos del periodo Edo y son transmitidas de maestro a discípulo a través de los años.
Estos artistas no utilizan más que un abanico tradicional de papel y un pañuelo como accesorios para apoyar su actuación, la cual suele durar entre 15 y 40 minutos aproximadamente.
La historia se corona con un “ochi” o final inesperado, que determina el género de la obra y sirve para concluir la función con éxito. Se reconocen 12 tipos de estos “remates” con variaciones complejas que han evolucionado a partir de las formas básicas.
Durante la interpretación, el abanico se usa para representar objetos largos como cigarrillos, una katana, una pipa o palillos, y el pañuelo sirve para representar objetos planos como un monedero, algún libro o un diario.
La entrada y salida del rakugoka se marca con música tradicional.
La publicación más antigua relacionada al tema que ha sobrevivido es: “Risas que Ahuyentan el Sueño”, de 1623 (con una compilación superior a los 1.000 relatos).
En sus orígenes, los rakugokas eran cuenta cuentos que basaban sus narraciones a partir de sermones budistas, los cuales parodiaban. De esta manera se ganaban la vida entreteniendo a las masas en la calle o actuando para ricos y nobles en sus fiestas.
El rakugo tradicional que se interpreta en los teatros, se registró inicialmente de forma escrita. Sin embargo, la mayor parte de la tradición es oral y se transmite de maestro a aprendiz.
Las “capitales” antiguas de este arte eran tres: Kioto, Osaka (ciudades importantes de la región de Kansai, en la isla principal de Japón) y Edo, la actual Tokio. Actualmente existen dos grandes corrientes: “Edo rakugo”, originaria de la región de Kantō (donde está la capital del país) y el “Kamigata rakugo”, proveniente de la región de Kansai.
El rakugo, que significa “palabras caídas”, se hace en una sala de espectáculos llamada “yose”, donde un rakugoka (quien narra) se arrodilla sobre un cojín rectangular (zabuton), dispuesto sobre el estrado (kōza), para contar su relato tras inclinarse ante la audiencia.
La historia se narra como una conversación. El intérprete cambia de un personaje a otro alternando su voz, expresión facial, gestos y acento para adaptarse a la persona que está hablando. Se utiliza un ligero giro de cabeza y un cambio de tono para indicar que se asume otro rol.
El programa que narran los rakugokas se denomina “neta”. Algunas de las historias, al ser tradicionales, se basan en situaciones cómicas o dramáticas que protagonizaron ciudadanos típicos del periodo Edo y son transmitidas de maestro a discípulo a través de los años.
Estos artistas no utilizan más que un abanico tradicional de papel y un pañuelo como accesorios para apoyar su actuación, la cual suele durar entre 15 y 40 minutos aproximadamente.
La historia se corona con un “ochi” o final inesperado, que determina el género de la obra y sirve para concluir la función con éxito. Se reconocen 12 tipos de estos “remates” con variaciones complejas que han evolucionado a partir de las formas básicas.
Durante la interpretación, el abanico se usa para representar objetos largos como cigarrillos, una katana, una pipa o palillos, y el pañuelo sirve para representar objetos planos como un monedero, algún libro o un diario.
La entrada y salida del rakugoka se marca con música tradicional.
La publicación más antigua relacionada al tema que ha sobrevivido es: “Risas que Ahuyentan el Sueño”, de 1623 (con una compilación superior a los 1.000 relatos).
En sus orígenes, los rakugokas eran cuenta cuentos que basaban sus narraciones a partir de sermones budistas, los cuales parodiaban. De esta manera se ganaban la vida entreteniendo a las masas en la calle o actuando para ricos y nobles en sus fiestas.
El rakugo tradicional que se interpreta en los teatros, se registró inicialmente de forma escrita. Sin embargo, la mayor parte de la tradición es oral y se transmite de maestro a aprendiz.
Las “capitales” antiguas de este arte eran tres: Kioto, Osaka (ciudades importantes de la región de Kansai, en la isla principal de Japón) y Edo, la actual Tokio. Actualmente existen dos grandes corrientes: “Edo rakugo”, originaria de la región de Kantō (donde está la capital del país) y el “Kamigata rakugo”, proveniente de la región de Kansai.
En Tokio, los rakugokas se clasifican en tres categorías: “zenza”, “futatsume” y “shin´uchi”. Al llegar a la última categoría, el artista puede tomar discípulos o “deshi”.
Mientras se mantengan en la etapa zenza, deben hacer las tareas de limpieza y mantenimiento si es que el maestro acepta que el alumno conviva con él. Cuando son ascendidos a futatsume, se les permite hacer actuaciones introductorias cortas, pero sin paga, por lo que a veces deben tener un trabajo extra…pero lo bueno es que quedan exentos de hacer tareas hogareñas.
Mientras se mantengan en la etapa zenza, deben hacer las tareas de limpieza y mantenimiento si es que el maestro acepta que el alumno conviva con él. Cuando son ascendidos a futatsume, se les permite hacer actuaciones introductorias cortas, pero sin paga, por lo que a veces deben tener un trabajo extra…pero lo bueno es que quedan exentos de hacer tareas hogareñas.
Una vez terminado el aprendizaje, el deshi podrá añadir su estilo personal a la actuación que el tutor le enseñó.
La libertad del narrador para improvisar e incorporar jerga moderna y referencias a eventos actuales, ha mantenido popular al rakugo. Constantemente se crean nuevas historias y se añaden al repertorio tradicional.
Desde 1966, cada domingo, se emite un espectáculo de rakugo en la televisión y los rakugokas actuales también trabajan como actores, comediantes y presentadores. También existen animes dedicados a la disciplina, como es el caso de “Shōwa Genroku Rakugo Shinjū”.
La mayoría de los personajes representados tienen personalidades estereotipadas, de modo que la audiencia puede detectar el cambio de papel. Los estereotipos de personajes favoritos son:
-Torpe, precipitado u olvidadizo
-Inteligente o confiable
-Pretencioso o vanidoso
-Astuto
-Figura autoritaria
-Tacaño, mezquino o malhumorado
-Seductor o provocativo
-Mentiroso o fanfarrón
-Personajes no humanos (animales o fantasmas)
Las situaciones cómicas retratan vivencias cotidianas como, por ejemplo:
-intención de quedarse con la chica
-discusiones entre parejas
-la codicia de un empresario
-un vecino entrometido que cuenta todo
-un día en el campo
-un empleado que se burla de todo lo que dice su jefe
Tradicionalmente, el rakugo solo se interpretaba por hombres, pero actualmente hay varias artistas mujeres tanto japonesas como extranjeras.
Hablando de extranjeros, quien es considerado como el primero en oficiar se llamó Henry James Black (1858-1923), un profesor de inglés y actor de teatro kabuki nacido en Australia.
A pesar de los esfuerzos por expandir aún más este arte, no resulta tarea fácil. La mayoría de narradores que aparecen en YouTube, sin ir más lejos, son angloparlantes o directamente, japoneses.
Quizá la intención no sea lograr que el rakugo llegue a ser políglota y simplemente se busque gritar a los cuatro vientos su existencia, pero costará más si no se comprende en profundidad la dinámica y el aspecto tradicional, para lo cual, el idioma es de gran ayuda.
La libertad del narrador para improvisar e incorporar jerga moderna y referencias a eventos actuales, ha mantenido popular al rakugo. Constantemente se crean nuevas historias y se añaden al repertorio tradicional.
Desde 1966, cada domingo, se emite un espectáculo de rakugo en la televisión y los rakugokas actuales también trabajan como actores, comediantes y presentadores. También existen animes dedicados a la disciplina, como es el caso de “Shōwa Genroku Rakugo Shinjū”.
La mayoría de los personajes representados tienen personalidades estereotipadas, de modo que la audiencia puede detectar el cambio de papel. Los estereotipos de personajes favoritos son:
-Torpe, precipitado u olvidadizo
-Inteligente o confiable
-Pretencioso o vanidoso
-Astuto
-Figura autoritaria
-Tacaño, mezquino o malhumorado
-Seductor o provocativo
-Mentiroso o fanfarrón
-Personajes no humanos (animales o fantasmas)
Las situaciones cómicas retratan vivencias cotidianas como, por ejemplo:
-intención de quedarse con la chica
-discusiones entre parejas
-la codicia de un empresario
-un vecino entrometido que cuenta todo
-un día en el campo
-un empleado que se burla de todo lo que dice su jefe
Tradicionalmente, el rakugo solo se interpretaba por hombres, pero actualmente hay varias artistas mujeres tanto japonesas como extranjeras.
Hablando de extranjeros, quien es considerado como el primero en oficiar se llamó Henry James Black (1858-1923), un profesor de inglés y actor de teatro kabuki nacido en Australia.
A pesar de los esfuerzos por expandir aún más este arte, no resulta tarea fácil. La mayoría de narradores que aparecen en YouTube, sin ir más lejos, son angloparlantes o directamente, japoneses.
Quizá la intención no sea lograr que el rakugo llegue a ser políglota y simplemente se busque gritar a los cuatro vientos su existencia, pero costará más si no se comprende en profundidad la dinámica y el aspecto tradicional, para lo cual, el idioma es de gran ayuda.
<<Semana 4>>
En pocas palabras, es cualquier experiencia escénica que parte de la relación entre participación e improvisación, diferenciándose de la “acción artística” justamente, en el último aspecto.
En un principio (década del 50´ aproximadamente), fue una tentativa de producir una obra de arte que contase con la participación de los espectadores para que dejaran de ser meros sujetos pasivos.
En un principio (década del 50´ aproximadamente), fue una tentativa de producir una obra de arte que contase con la participación de los espectadores para que dejaran de ser meros sujetos pasivos.
El Happening apunta a que el público tome cartas en el asunto espontáneamente, y es por este motivo que se hacen en lugares públicos, pretendiendo irrumpir en la cotidianeidad.
Al espectador – participante no se le ofrece en ningún momento un guion. Lo que se hace es invadir sus sentidos con sensaciones que debe ordenar bajo su propia responsabilidad, sin tiempo preestablecido y cuyo final debe ser marcado por los intérpretes. Al comenzar la obra, se provoca al público, que es forzado a participar en situaciones incómodas.
Hay muchísimas temáticas a las cuales se puede recurrir para hacer una composición de este tipo, pues siempre será un espectáculo único.
Al espectador – participante no se le ofrece en ningún momento un guion. Lo que se hace es invadir sus sentidos con sensaciones que debe ordenar bajo su propia responsabilidad, sin tiempo preestablecido y cuyo final debe ser marcado por los intérpretes. Al comenzar la obra, se provoca al público, que es forzado a participar en situaciones incómodas.
Hay muchísimas temáticas a las cuales se puede recurrir para hacer una composición de este tipo, pues siempre será un espectáculo único.
No existe un consenso firmemente establecido de quién tuvo la idea, en qué año exactamente comenzó o el país de origen (lo más común es escuchar que fue EE. UU con los aportes del músico, escritor y filósofo John Cage). Sin embargo, podemos decir que existen obras de lo más variadas apuntando en una y otra dirección, con opiniones discordantes.
Un caso interesante para comprender un poco más, es el ocurrido durante los años 60´ en Alemania, por esos días llamada República Federal de Alemania. Ahí surgió un movimiento cultural e intelectual de carácter transgresor y revolucionario, con epicentro en la ciudad de Colonia, al oeste del país. Con la ayuda de Happenings compuestos con toda pompa (olores, sonidos, ruidos, diálogos, colores, etc.) y percepciones políticas, los artistas luchaban contra los valores que representaba “el milagro económico alemán” posterior a la Segunda Guerra Mundial, con una estrategia que pretendía hacer que el público (la población) ampliara su campo de visión más allá del bienestar y evitar así que evada la realidad, movilizándolos a formar parte activa de “la obra”.
Por su carácter abierto y el uso de cualquier espacio (las puestas en escena pueden ser al aire libre o en recintos cerrados siempre y cuando sean públicos), los artistas pretendían mantenerse al margen de los ambientes preestablecidos para mostrar arte, como los museos.
Un caso interesante para comprender un poco más, es el ocurrido durante los años 60´ en Alemania, por esos días llamada República Federal de Alemania. Ahí surgió un movimiento cultural e intelectual de carácter transgresor y revolucionario, con epicentro en la ciudad de Colonia, al oeste del país. Con la ayuda de Happenings compuestos con toda pompa (olores, sonidos, ruidos, diálogos, colores, etc.) y percepciones políticas, los artistas luchaban contra los valores que representaba “el milagro económico alemán” posterior a la Segunda Guerra Mundial, con una estrategia que pretendía hacer que el público (la población) ampliara su campo de visión más allá del bienestar y evitar así que evada la realidad, movilizándolos a formar parte activa de “la obra”.
Por su carácter abierto y el uso de cualquier espacio (las puestas en escena pueden ser al aire libre o en recintos cerrados siempre y cuando sean públicos), los artistas pretendían mantenerse al margen de los ambientes preestablecidos para mostrar arte, como los museos.
Entre los países que más activamente participaron de estos eventos se encuentran Estados Unidos, Japón, Inglaterra, Países Bajos, España y Austria.
A diferencia de los Happenings estadounidenses, los europeos eran más abstractos, menos específicos, se experimentaba con situaciones extremas, tenían un carácter más intelectual y era común que los artistas tomaran parte activa de las obras en posición de trasgresores.
Algunos ejemplos son:
-Jiro Yoshihara: pintor japonés y miembro fundador del grupo “Guntai”, especializado en composiciones de este tipo;
-Joseph Beuys: artista y profesor alemán perteneciente al grupo “Flexus”, que trabajó con técnicas Performance y Happening;
-Nam June Paik: músico compositor y miembro del movimiento “Videoarte”, que también participó en obras pertenecientes a Flexus y Happening.
A diferencia de los Happenings estadounidenses, los europeos eran más abstractos, menos específicos, se experimentaba con situaciones extremas, tenían un carácter más intelectual y era común que los artistas tomaran parte activa de las obras en posición de trasgresores.
Algunos ejemplos son:
-Jiro Yoshihara: pintor japonés y miembro fundador del grupo “Guntai”, especializado en composiciones de este tipo;
-Joseph Beuys: artista y profesor alemán perteneciente al grupo “Flexus”, que trabajó con técnicas Performance y Happening;
-Nam June Paik: músico compositor y miembro del movimiento “Videoarte”, que también participó en obras pertenecientes a Flexus y Happening.
Anexamos dos enlaces para acercarte aún más a estos maravillosos despliegues de creatividad, improvisación y trabajo en equipo, y te invitamos a que a partir de ahora salgas a la calle con una sonrisa… nunca se sabe cuándo vas a terminar en medio de un Happening.
https://www.youtube.com/watch?v=BqgLhHgXROY
https://www.youtube.com/watch?v=9Kx3gQafvE0
https://www.youtube.com/watch?v=BqgLhHgXROY
https://www.youtube.com/watch?v=9Kx3gQafvE0
Dejanos abajo tus comentarios o, si tenés más cosas que decir, pasate por nuestro foro y escribí tu entrada.
¡Te leemos!
<<Semana 3>>
Charles Chaplin: grandes citas y películas.
Nacido el 16 de abril en Londres, el multifacético Charles Chaplin fue un actor, humorista, compositor, productor, guionista, director y escritor considerado uno de los mejores hitos del cine. Su carrera es muy amplia pero su recuerdo se remonta a Charlot, ese vagabundo de modales refinados vestido con pantalones bombachos, zapatones, bastón y bombín.
“Mirada de cerca, la vida parece una tragedia; vista de lejos, parece una comedia. Nunca te olvides de sonreír, porque el día en que no sonrías será un día perdido. La vida es una obra de teatro que no permite ensayos. Por eso, canta, ríe, baila, llora y vive cada momento, antes de que baje el telón y la obra termine sin aplausos. Hay que tener fe en uno mismo. Aun cuando estaba en el orfanato o recorría las calles buscando qué comer, me consideraba el actor más grande del mundo. La vida es maravillosa...si no se le tiene miedo. Sin haber conocido la miseria, es imposible valorar el lujo. Más que maquinaria necesitamos humanidad, y más que inteligencia, amabilidad y cortesía. Fui perseguido y desterrado, pero mi único credo político siempre fue la libertad”.
(Charles Chaplin)
Entre sus películas más conocidas están:
1) El Inmigrante (1917)
"La vida es una tragedia pero una comedia en el plano general".
El inmigrante es un cortometraje esencial en la filmografía de Chaplin que ofrece una visión satírica y crítica sobre el problema de la inmigración. La inmigración fue algo que Chaplin había sufrido en sus propias carnes, quizá ese sea uno de los motivos por el cual decidió plasmarlo en la gran pantalla.
2) El Chico (1921)
"Una película con una sonrisa, y capaz, una lágrima".
Es una de las películas más importantes de la filmografía del cineasta ya que aporta una enseñanza muy importante: la lucha ante la adversidad. Los protagonistas tratan de sobrevivir y pasan muchas necesidades, pero ambos son felices trabajando como cristaleros. El chico es un filme esencial de Charles Chaplin porque nos alerta sobre la importancia de las relaciones entre padres e hijos a lo largo de la vida.
3) La Quimera del oro (1925)
"Aparte de todo- de lo divertido de la indumentaria, del bigote y de los zapatones- realmente quería crear algo que conmoviera a la gente".
Con estas palabras, Chaplin quiso recordar lo valioso que es su cine y la importancia de conmover al público a través de la comedia, al mismo tiempo que hace crítica social. Esta vez, el emblemático personaje se convierte en un buscador de oro en Alaska. Durante una tormenta se refugia en la cabaña de un delincuente, allí conoce a su inseparable amigo Big Jim con el que compartirá múltiples peripecias y calamidades.
4) El Circo (1928)
"Mira hacia el cielo, nunca encontrarás el arco iris si siempre estás mirando hacia abajo".
La película nos muestra a un vagabundo que irrumpe en una representación circense mientras huye de la policía, que lo acusa de ser un carterista. En ese momento, el propietario del circo, un hombre soberbio que maltrata a sus empleados, ven en el vagabundo la posibilidad de remontar su negocio y hacerse rico. Entretanto el joven se enamora de la hija de su jefe, pero su amor no es correspondido porque ella está enamorada de un trapecista.
5) Luces de la Ciudad (1931)
"Mañana los pájaros volverán a cantar".
Esta cita está incluida en una de las escenas más conmovedoras del filme, cuando el personaje de Charlot evita el suicidio de un hombre millonario al que los problemas en su matrimonio le conducen a la desesperación. Ésta sin duda es una de las enseñanzas más preciadas que nos deja el filme si lo extrapolamos a la vida cotidiana de cualquier persona que está pasando por problemas que cree irremediables.
Mañana los pájaros volverán a cantar.
Esta cita está incluida en una de las escenas más conmovedoras del filme, cuando el personaje de Charlot evita el suicidio de un hombre millonario al que los problemas en su matrimonio le conducen a la desesperación.
Ésta sin duda es una de las enseñanzas más preciadas que nos deja el filme si lo extrapolamos a la vida cotidiana de cualquier persona que está pasando por problemas que cree irremediables. "Mañana los pájaros volverán a cantar", es un proverbio que nos recuerda no hay que rendirse ante la adversidad.
La película, que es uno de los mayores hitos de la historia del cine, nos presenta a un vagabundo como protagonista que se enamora de una florista ciega, que desconoce su condición social. A partir de ese momento el personaje lucha por complacer los deseos de la joven hasta devolverle la vista al final de la película.
Sin dudas uno de los mejores actores que pudo haber existido, Chaplin ha quedado como uno de los “grandes" del cine dentro del imaginario colectivo y su filmografía siempre será sinónimo de enseñanza.
Sin dudas, Chaplin fue uno de los más grandes de la historia del cine mudo y, hasta el día de hoy, se lo considera un símbolo del mismo. ¿Ya habías visto sus películas? ¿Qué más sabés sobre su vida? ¿Cuál es tu frase favorita de Chaplin?
Esperamos tus respuestas abajo, en la caja de comentarios.
¡Te leemos!
<<Semana 1>>
Plastimación
¿Alguna vez te preguntaste cuánto tardan en hacer una escena de una película con personajes de plastilina? ¿O cuántas imágenes toman para reproducir cada escena? ¿O cuántos kilos de plastilina utilizan?. Esta semana te traemos un poco sobre la plastimación (claymation) y un desafío, para que pongas a prueba tus habilidades como escultor y director de cine.
Todo se remonta al año 1927, cuando un animador chino-americano, llamado Joseph Sun, puso en práctica un conjunto de animaciones hechas con plastilina para la serie "Mud Stuff", dirigida por Ralph Wolfe. Esto lo convertiría en pionero de la técnica y daría el puntapié inicial para impulsar a las futuras películas de ese mismo estilo.
Si bien Joseph fue gran pionero en el mundo de la plastimación, la utilización de la técnica comenzó a tener más difusión en los años 50. Películas como "Jason y los argonautas", "Furia de titanes" y "El séptimo viaje de Sinbad", del famoso Ray Harryhausen, son un claro ejemplo de la utilización de claymation.
Por los años 70, Will Vinton (Reconocido animador estadounidense) , trabajó junto a Bob Gardiner en cortometrajes animados con claymation, entre los cuales se destaca "Closed Mondays" (Ver en Youtube), ganador del premio Óscar a la mejor animación en 1945. Debido a este éxito, Vinton se motivó a formar su propio estudio de animación (Vinton Studio) y continuar con la técnica. Fue gracias a tal proyecto que el mundo de la plastimación se popularizo más aún, produciendo películas, series y anuncios publicitarios de gran reconocimiento.
En la actualidad, muchos cineastas utilizan claymation para sus obras, complementando la producción con avances tecnológicos, para obtener texturas y calidez que, quizá, con otro tipo de técnicas sería difícil de conseguir.
¿En qué consiste la técnica?
Principalmente, se deben esculpir los personajes. Estos pueden ser de plastilina, arcilla o cualquier otro material flexible. Generalmente, la "armadura" o "esqueleto" de las figuras es de alambre, ya que facilita el sostén y formas las poses de cada personaje.
Ya armados los protagonistas, se forman en el set para hacer las capturas fotográficas, a la par de ir moviendo cada uno y acomodando cada pose.
Por otro lado, se presta especial atención al deterioro del material que, al manipularse constantemente, tiende a ensuciarse y puede necesitar una restauración cada cierto tiempo.
¿Cómo es la producción?
Para producir cada escena se necesita de mucha paciencia y labor. Por lo general, una película de este estilo, parte de los 25 fotogramas por segundo (25 fps) en adelante.
Para, por ejemplo, hacer 30 minutos de película, se requieren más de 20.000 paradas
para transitar los cuadros, es decir, esa cantidad de veces se acomodaría el entorno de cada escena y se procedería a hacer las capturas.
Además, se requiere de más de un "animador" para llevar a cabo la tarea. Dando otro ejemplo: En la película Frankenweenie, de Tim Burton, se contó con 33 animadores, de los cuales cada uno se encargaba de grabar hasta 5 segundos de animación por semana. ¡Para imaginarse el enorme trabajo que hay detrás de todo esto!
Plastimación en acción.
Hablando de Frankenweenie, veamos el siguiente video del detrás de escenas, ideal para entender mejor el trabajo con la técnica:
Fantástico ¿No? Ese proceso tan dedicado y delicado hace a esas películas tan memorables y queridas por el público. "La paciencia es una virtud" y estos animadores saben cuan virtuosos son en su terreno.
Reto: Con plastilina y tu celular (u otro dispositivo), animate a hacer tu propio cortometraje de plastimación. Sin límite de tiempo! Envianos tu creación a: creasenda@gmail.com
Con tu consentimiento y acreditando tu autoría la subiremos a nuestras redes.
¿Te gustó? Te proponemos comentar qué películas de este tipo conoces y cual es tu favorita.
¡Te leemos!